那些藏在电影中的艺术名作，到底有多美？

那些藏在电影中的艺术名作，到底有多美？

同为光影的艺术，电影与绘画的关联向来密不可分，很多影视作品的构图都会自创艺术名作。如由爱德华·霍普13幅绝世名画构成的电影《雪莉·理想的愿景》，也如韦斯·安德森在《布达佩斯大饭店》中严谨均衡的庄严构图。今天，就让我们一同走进电影中的艺术美学瞬间吧。

电影《月升王国》与亚历克斯·科尔维尔《去爱德华王子岛》

在电影《楚门的世界》中，楚门最后决议分开虚假世界的那一幕与奥天时超理想主义画家勒内·马格里特的《月光建筑》有异曲同工之妙。蓝白色主调，月亮高悬空中，蓝天之下沿台阶而上，却不知通往何方。

就像《楚门的世界》自身包含着重重隐喻一样，超理想主义作品中常常也有多重隐喻。经过画面构图与艺术的分离，电影与艺术的交相辉映在此产生。 “月亮”在影片中是十分重要的意象。在楚门的世界里，连太阳和月亮都是赝品，他看到的月亮其实是位于整个小镇，也就是巨型实景摄影棚上方的演播厅。作为演播厅的月亮，此时成为了真实和虚拟世界之间的衔接点。 而在勒内·马格里特的作品《月光建筑》中则有两个月亮，一个高悬在空中泛出荧光，另一个藏在建筑下方的门洞里十分黯淡。分离影片，似乎很容易得出这样的解析：两个月亮分别代表着真实的世界和虚幻的世界，但真实和虚幻谁更美好、谁更丑陋，一时之间也很难分辨。此时艺术作品中的月亮，与影片的隐喻产生了呼应，令人细思真实与虚假的边疆。

假如说《楚门的世界》只是在部分镜头构图中中止了对艺术的致敬，那么在《雪莉·理想的愿景》这部影片中能够说是艺术走进了荧幕。导演古斯塔夫·德池用美国画家爱德华·霍普的13幅绝世名画构成了美国社会历史的理想景色，记载了由1931年至1963年间，从一位美国女性的视角感遭到的政治、社会和文化等各方面的剧变。

爱德华·霍普《早晨的太阳》

爱德华·霍普是二十世纪美国的知名画家，他擅长描画日常现象，惨白的日光灯、空无一人的加油站、沉寂午后阳光从窗口射进来留下的阴影，没有一个字说孤独，却处处都透着孤独。 而处于时期剧变下的普通人生活也是如此，就像《雪莉·理想的愿景》中的场景普通，无论是美国轰炸珍珠港、冷战开端、又或者是降服太空。处于历史中的每一个普通人，每天醒来看见的还是同样的一片天花板、晚间下班回家依旧枯坐沙发等候微波炉传来“叮”的一声响，就算生活阅历剧变也不外是像雪莉一样从好莱坞演员变成办公室秘书，历史车轮下是平淡到乏味的日常。

爱德华·霍普《纽约的房间》

爱德华·霍普被称为“中产阶级心灵捕手”，成名于二十世纪上半叶的他恰巧赶上了战后美国中产阶级的崛起。随同着中产阶级一同崛起的不只仅是郊区别墅、全职主妇和大型纯种犬，还有由于忙碌的生活工作节拍和浮华消费主义带来的空虚感。 空虚的具象呈现便是我们在爱德华·霍普作品和《雪莉·理想的愿景》中看到的场景。笔挺洁净的建筑线条带来萧瑟感，画面中的人物大多面目含糊、孑然一人、永远若有所思。你会觉得到他画中的人似乎只是一具躯壳，观看者随时都能够将自己的孤独代入其中，电影的动态表白则是为画作添加了更多戏剧张力。

爱德华·霍普《Chair Car》

这部拍摄于2013年的影片再现了大半个世纪之前的人类孤独图景，让我们发现，原来除了艺术，孤独也是能够历经时间考验的共有体验。

不同于其他人对艺术的自创是1：1场景复刻，韦斯·安德森在电影中对艺术构图的致敬更有一种“知其然，更知其所以然”的领悟。很难说出他复刻了哪些画面，但是他影片中的每一帧都宁静漂亮，自成一幅景观。宛如游标卡尺量过般的对称性构图已成为他鲜明的个人特征，这一点在《布达佩斯大饭店》中尤为突出。广角拍摄的布达佩斯大饭店外观，同时也是电影海报，使整个酒店外观在重峦叠嶂雪山的映托下宛如贝阙珠宫。

而他习用的平移镜头、或是慢速推进镜头的方式，坚持了画面空间的完好性，使得画面空间一直衔接，观众的视野也随之平移推进，在观影中，由视野牵动身体，从外到内的感受一场“均衡之旅”。

韦斯·安德森电影画面的“画框感”很重，浅显来说是随意截图都能当电脑桌面，严肃来说就是他随时都带着艺术的审视眼光在检验。

这种严厉对称、考究均衡的构图关系在文艺复兴时期的作品中也很常见。通常在过往的视觉作品中，严谨均衡的构图不只仅是为了视觉美感，更有深层叙事需求。严谨均衡的构图常常意味着世间万物的自然规律、次第，通常与崇高权益有关。 所以无论是在文艺复兴前期的代表型作品《维纳斯的降生》、《春》中，还是在文艺复兴鼎盛时期的巨匠作品《雅典学院》、《最后的晚餐》中，我们都能看到这种经典的对称构图。并且，此时的对称构图也在传送出超越视觉享用的信息，向观众传达出关于这个全新时期的规则和信心。

桑德罗·波提切利《维纳斯的降生》

桑德罗·波提切利《春》

拉斐尔·桑西《雅典学院》

达·芬奇《最后的晚餐》

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在文艺复兴致敬的古希腊时期，那时的哲学家毕达哥拉斯曾说过：“美的线条和其他一切美的形体都必须有对称的方式。”几千年过去，这句话依旧是画面构图中的黄金规律之一，无论是在文艺复兴时期作品的构图中，还是在韦斯·安德森影视作品的镜头画面中，这句话都得到了最好的诠释。 自1895年卢米埃兄弟第一部电影问世以来，这样的光影魔法就继承了人们对美的极致追求。当电影从过往的艺术作品中吸取灵感，再现经典作品的构图、心情与戏剧张力，人类的聪慧结晶在荧幕上碰撞出更耀眼的光辉。 不只仅是上文提到的这些影视作品，还有很多的影视作品中都不乏对经典艺术作品的致敬。例如《忧伤症》中对拉斐尔前派名作《奥菲莉娅》的致敬；《破碎的拥抱》中对比利时超理想主义画家勒内·马格里特《情人》的再现；《关于施密特》中复刻的《马拉之死》场景；《性本恶》中从构图到寓意都无比贴合的致敬《最后的晚餐》......

电影《忧伤症》与约翰·艾佛雷特·米莱《奥菲莉娅》

电影《破碎的拥抱》与勒内·马格里特《情人》

电影《关于施密特》与雅克·路易·大卫《马拉之死》

电影与艺术的融合并非是偶尔之举，而是历经时间考验关于美的黄金定律。假如问这世界上到底有什么东西是永世的？那必定是人类对美的永世追求。